Janowar

Onkyo Lanza el soporte MQA, Tidal Masters Streaming, en Componentes Hi-Fi seleccionados a través de una actualización de software el 18 de Diciembre Fecha de comunicado de prensa: 13/12/2018 OSAKA, JAPON. Onkyo se complace en anunciar el lanzamiento de una actualización de firmware el 18 de diciembre que activa la capacidad de reproducción de audio MQA y la compatibilidad con la transmisión de audio TIDAL Masters en sus componentes de alta fidelidad estéreo habilitados para la red. MQA ofrece sonido de alta resolución en un archivo que es lo suficientemente pequeño como para transmitir y descargar. TIDAL Masters, mientras tanto, es el formato de transmisión de audio Studio Master basado en MQA para ancho de banda de TIDAL que se ofrece exclusivamente a los miembros de TIDAL HiFi que ahora está disponible para disfrutar de cualquiera de los productos Onkyo detallados a continuación en esta notificación actualización de firmware. MQA (Master Master Autenticado) Aprovechando la investigación científica sobre cómo las personas escuchan, el equipo de MQA ha creado una tecnología que captura el 100% del rendimiento original del estudio. Los archivos MQA están totalmente autenticados y son lo suficientemente pequeños como para transmitir o descargar. El formato es compatible con versiones anteriores, lo que significa que la música MQA se puede disfrutar en cualquier dispositivo. Esta tecnología galardonada está licenciada con etiquetas, en servicios de música y hardware en todo el mundo. TIDAL Masters TIDAL se ha asociado con MQA para entregar grabaciones de calidad maestra de la fuente para una experiencia de audio como el artista pretende. Los TIDAL Masters se autentican, no se interrumpen y se entregan en alta resolución (normalmente 96 kHz / 24 bits), lo que crea una copia idéntica del sonido master. TIDAL ofrece un catálogo de miles de álbumes de TIDAL Masters para miembros de TIDAL HiFi. Onkyo Music Onkyo Music es una tienda online de audio de alta resolución, para oyentes en Alemania, el Reino Unido y los Estados Unidos. Onkyo Music ofrece un extenso catálogo de MQA. Esta actualización es para los siguientes componentes hi-fi de Onkyo: Network Audio Players NS-6170/NS-6130 Network Stereo Receiver R-N855 Network CD Receivers CR-N775/ CR-N775 D Network Stereo Receivers TX-8270/TX-8250 Onkyo se complace en agregar valor a sus productos a través de actualizaciones de firmware con fin de enriquecer la experiencia de audio de alta fidelidad del cliente incluso después de la compra. Seguimos comprometidos con el lanzamiento de actualizaciones interesantes para nuestra familia de productos en un futuro. Para actualizar automáticamente su producto Onkyo que esta conectado a una red compatible, vaya al menú de configuración del sistema y siga las instrucciones, o visite www.eu.onkyo.com para descargar la actualización y realizar la instalación manualmente. Para obtener más información sobre el formato de audio MQA, visite www.mqa.co.uk. Para navegar por la biblioteca de música de Onkyo Music, visite www.onkyomusic.com. Para obtener información sobre estos u otros productos Onkyo, visite www.eu.onkyo.com. Tenga en cuenta que se requiere estar suscrito a TIDAL HiFi para transmitir TIDAL Masters en componentes compatibles. Visite www.tidal.com para más información. Onkyo Corporation https://www.es.onkyo.com/es/articulo/onkyo-lanza-el-soporte-mqa-tidal-masters-streaming-en-componentes-hi-fi-seleccionados-a-traves-de-una-actualizacion-de-software-el-18-de-diciembre-154436.html ___________________________________________________________ Como usuario de un network NS-6130 ¿valdrá la pena pasar de la suscripción premium normal a la HIFI?

La pura y santa verdad

Hola, está en alguna plataforma?

Esta versión es muy buena! Lo mejor que he escuchado en grabaciones "modernas".

Grande Vincent Vega Maravilloso

También me gusta mucho la versión de Pierre Monteux (quien estrenó la obra)

La de Dorati y la del mismísimo mero mero

El mejor post que he visto en mucho tiempo

Gracias!

Al escucharlo quién se imaginaría que Lorenz era 'ambidiestro'

Recién anunciada: edición aniversario de Hemispheres

Tremendo Lorenz, uno de mis favoritos. Conocía el Anillo completo de Stiedry de los 50, pero esta Walküre no estaba en mis registros. Existen pocas las operas completas de Max Lorenz, la mayoría son de post guerra, ya lejos de su época gloriosa. Aún así cepilla a varios tenores del momento y a posteriores para qué decir.

Las entrevistas a Vinay están muy buenas. Se pueden escuchar acá: http://www.operachile.com/materiales-historicos

https://radio.uchile.cl/2018/09/30/las-sorprendentes-grabaciones-ineditas-de-ramon-vinay-y-claudio-arrau/ Las sorprendentes grabaciones inéditas de Ramón Vinay y Claudio Arrau Un proyecto rescata viejas cintas con grabaciones, presentaciones en vivo y entrevistas de los dos músicos nacidos en Chillán. Entre los numerosos archivos también figura una actuación de Víctor Jara y Quilapayún en el Municipal de Santiago. Rodrigo Alarcón L. Domingo 30 de septiembre 2018 9:08 hrs. “¡Estaba más blanco que mi propia camisa!”. Ese era el recuerdo que Ramón Vinay tenía de aquella ocasión en la que grabó Otello, la ópera de Verdi, bajo la dirección del director italiano Arturo Toscanini, en 1947, en Nueva York. “Cantar con el maestro Toscanini no era fácil. Yo tenía la impresión de que tenía un millón de microscopios sobre mí y que me estaban analizando, no en una forma benévola”. Pero también tenía otro recuerdo, del día siguiente. En la casa del mismo director italiano, escucharon los registros que habían hecho el día anterior. Nada le quitaba el ceño fruncido a Toscanini. O casi nada: “Se le quitó solamente cuando estaba frente a un plato de arroz a la milanesa, que le encantaba”, contó Ramón Vinay, antes de soltar una sonora carcajada, una risa apropiada para un cantante lírico. La anécdota la cuenta el propio artista nacido en 1911, en una de las numerosas grabaciones inéditas que acaban de ser presentadas en Chillán, su ciudad natal, como parte de un proyecto que también involucra a otro hijo insigne de la ciudad: el pianista Claudio Arrau. La historia se remonta a fines de 2016 y el punto de partida es el hotel La Leonera, al interior de la región de O’Higgins. En plena remodelación del recinto, aparecieron cajas y cajas con viejas cintas reel, videos Betamax, otros en VHS y algunos cassettes, que allí guardó Luis Ángel Ovalle, ex director del Teatro Municipal de Santiago y propietario del centro turístico, hoy administrado por su hijo Gerardo. “Vinay pasaba mucho tiempo ahí, porque era amigo de Luis Ángel Ovalle”, dice Francisco Marín, editor del sitio Ópera Chile, quien a partir del hallazgo dio forma a un proyecto de rescate que también involucró a Jaime Reyes, un especialista en la obra de Arrau, y el musicólogo José Manuel Izquierdo. Juntos, se encargaron de ordenar parte de las cintas, escuchar su contenido, digitalizarlo y entregarlo a ocho instituciones, para que éstas las pongan a disposición del público: el Museo Claudio Arrau, el Teatro Municipal, la Corporación Cultural y la Escuela Ramón Vinay, en Chillán; y el Archivo de Música de la Biblioteca Nacional, el Centro DAE del Municipal de Santiago, el Centro de Musicología de la Universidad de Chile y el Archivo de Música Popular de la Universidad Católica, en Santiago. Un extracto de ese material, además, se puede escuchar en Ópera Chile. Foto: Ópera Chile. Ahí encontraron una de las dos entrevistas en las que Ramón Vinay cuenta su encuentro con Toscanini, registrada en Nueva York, pero su relato abarca muchos otros temas: la experiencia de cantar Otello y Sansón y Dalila en el Colón de Buenos Aires, la situación de la ópera en Estados Unidos o la eterna falta de recursos para la disciplina, por ejemplo, se alternan con sus bromas y risotadas: “La cinta magnética no se está acabando, sino que él tiene prisa en servirse otro whisky”, dice divirtiéndose, al final del primer diálogo, con la excusa que Arturo Carvallo, su entrevistador, había usado para acabar la conversación. Arrau inédito Más allás de las conversaciones, sin embargo, el hallazgo es cuantioso en cuanto a la música. Ramón Vinay, el más importante de los cantantes líricos nacidos en Chile, cantó en el Metropolitan de Nueva York y en La Scala de Milán. Entre 1952 y 1957, como tenor, cantó consecutivamente en el Festival de Bayreuth, consagrado a las óperas de Wagner desde que el propio compositor lo iniciara en 1876. Y volvió en 1962, ya convertido en barítono. Buena parte del material encontrado tiene que ver con esas experiencias, porque el propio cantante grabó las sesiones de ensayo a las que se sometió con el preparador y director alemán Hermann Weigert. En los audios se puede escuchar cómo estudia o corrige su pronunciación del alemán, por ejemplo, preparándose para interpretar Parsifal o Tristán e Isolda. En algunos, además, interviene la soprano Astrud Varnay, esposa de Weigert. “Hay varias grabaciones de Vinay, porque era muy bueno para grabar audios. En vez de mandar una carta, por ejemplo, grababa y mandaba el cassette”, explica Francisco Marín. Sin embargo, entre las cintas también aparecieron registros inéditos de Claudio Arrau, hechos en estudio o en vivo, entre 1954 y 1966. El más antiguo es una grabación de la Sonata K. 311de Mozart, hecho en 1954, que nunca fue publicado e incluye comentarios del propio pianista sobre la obra. Además, se puede escuchar el Concierto para piano No. 3 de Beethoven, bajo la dirección de Leonard Bernstein, interpretado en 1958. De esta interpretación se sabía, pero no existía un registro sonoro. Y la lista suma y sigue, con obras de Debussy, Liszt, Chopin, Schumann y Brahms. “Existe un registro, tomado desde la audiencia, lamentablemente incompleto, del Libro 1 de preludios de Claude Debussy. En otro recital tenemos el Humoreske y el Carnaval de Viena (pieza distinta del Carnaval op. 9) de Robert Schumann. Aparece tambien el Vals Oubliee No. 1 de Franz Liszt. Todas las obras mencionadas corresponden a grabaciones sobre las que no existía ningún registro previo oficial en vivo”, destaca Jaime Reyes. Fotos: Ópera Chile. Tecnólogo médico de profesión, pero especialista en Arrau por vocación, Reyes explica que las grabaciones reflejan el “periodo de afirmación” del pianista: “Es una etapa previa a todos los registros para el sello Philips, previa a la integral beethoveniana de los años 60, a las grabaciones de Liszt y Schumann. Es decir, al núcleo duro del repertorio del maestro, por el que terminó siendo mundialmente reconocido”. “Además, aparecen obras de las que sólo se tenía la toma de estudio, pero no versiones en vivo, lo que representa un aumento importante del registro grabado de Arrau”, subraya. El proceso de escuchar las cintas, dice Reyes, fue emocionante: “Fue particularmente motivador. Estamos ante grabaciones de las que se conocía la realización del concierto por cronología, pero no se sabía que existiese registro. Descubrir el sello particular de interpretación del maestro Arrau, encontrar una vez más esa coherencia y profundidad sonora, esta vez en cintas que sobrevivieron larga cantidad de años, fue inspirador”. Apenas el comienzo El proyecto está dividido en tres partes: además de las grabaciones de ensayos o conciertos de Ramón Vinay y Claudio Arrau, un tercer segmento se llama “Materiales históricos”. Ahí están las entrevistas y otras grabaciones privadas del cantante, junto con una entrevista a Plácido Domingo o una interpretación del “Ay, ay, ay”, de Osmán Pérez Freire, durante una visita a la Viña Concha y Toro. También aparecen un par de audios de valor histórico. En uno de 1970, justo después del triunfo de Salvador Allende, se pueden escuchar las acaloradas intervenciones que se producen en un encuentro realizado en la actual Sala Arrau del Municipal de Santiago, entre el sindicato, los artistas y la corporación. Otro, de la misma época, es un concierto realizado en la sala principal del teatro, con intervenciones de Luis Figueroa Mazuela, presidente de la CUT; Alejandro Rojas Wainer, presidente de la FECH; y Héctor Lillo, presidente de Sidarte. Junto a ellas, hay una grabación de Quilapayún cantando la “Plegaria a un labrador”, junto al propio Víctor Jara. Todo eso es parte de un cuantioso archivo, cuyo descubrimiento recién está comenzando. “Probablemente van a aparecer muchas más cosas”, concluye Francisco Marín.

En Providencia. Ahí está el reportaje:

'DIONYSUS' THE NEW ALBUM Since their inception in Melbourne in 1981, Dead Can Dance have been informed by folk traditions from all over Europe, not just solely in terms of instrumentation, but also by secular, religious and spiritual practices. The story to their forthcoming album Dionysus took shape as Brendan Perry became fascinated by long established spring and harvest festivals that had their origins in Dionysian religious practices throughout Europe. The presence of the religion was suppressed during the ideological control of Christianity and Islam since the Roman Empire, and so the influence that Dionysus still had on these festivals would continue to manifest itself albeit in a more censored form. Dead Can Dance’s latest album brings to the fore the rites and rituals that today continue to be informed by the Greek god, with the album’s seven movements representing different facets of the Dionysus myth and his cult. The musical form of Dionysus is that of an oratorio, which has informed spiritual and secular pieces of music as far back as the early 16th century. ACT I - Sea Borne announces Dionysus’ arrival from the east by ship. This movement is crucial to understanding Dionysus as an outsider god - ‘the god that comes’ - central to Ancient Greek city religions that affiliate him with the protection of those who do not belong to conventional society, and anything which escapes human reason. ACT I - Liberator of Minds, with Dionysus being known as ‘he who lends men’s minds wings’, the album’s second movement conveys the use of hallucinogens and mind-expanding drugs that are associated with him as well as breaking free from the constraints of social norms within society. ACT I - Dance of the Bacchantes, invokes the rite that Dionysus’ female followers took part in, abandoning their domestic duties for trance-like processions and dances. ACT II - The Mountain, the first movement of the album’s second Act, the listener will find themselves visiting Mount Nysa. This mountain was Dionysus’ place of birth, where he was raised by the centaur Chiron, from whom he learned chants and dances together with Bacchic rites and initiations. ACT II - The Invocation represents the chorus who summon the god to participate in the harvest ceremony which also refers to his pre-eminence in the creation and birth of Greek theatre and tragedy. ACT II - The Forest, the call to abandon worldly and material pursuits and return to a primeval enlightened state of being as in the Hindu tradition of Vanaprastha “departure to the forest” which is seen as the final stage in human spiritual development. ACT II – Psychopomp, the final movement sees Dionysus in his role as a guide to the afterlife, where he escorted dead souls to Hades. With the sway that Dionysus’ story still has on contemporary paganism in Europe, the voices on this album present a small community or village with people in communion with each other during a time of celebration or ritual. Singing at times via chanting and call and response, the language that these people sing in is fictional, not representing one country or group in particular. Instead, the solo and chorus voices become a means to convey emotion beyond the boundaries of language itself. As with many previous Dead Can Dance albums, there is no libretto for the voices. Perry’s radical revisal of his artistic space led him to take inspiration from the natural environment around him, especially animal calls and natural sounds which he mimics on this new album using an array of folk instruments from across the world. As with the rest of the Dead Can Dance catalogue, rhythms inspired by world traditions play a key role, with tracks seeming less like songs and more like fragments of a cohesive whole. The album’s elements are blended together using field recordings and chanting, including a goatherd in Switzerland, beehive’s from New Zealand, and bird calls from Mexico and Brazil. This is used not only to invoke the album’s atmosphere and symbolic references but also to demonstrate how music can be found everywhere. On Dionysus, sounds blend into one another to create an esoteric, atmospheric and at times magical realist experience for the listener. Lisa Gerrard’s principal role on Dionysus is to convey the feminine aspect of Dionysus's dual nature through song in both solo and mantric choral forms and ultimately to play the role of Psychopomp, signifying Dionysus's role as an agrarian deity returning to winter’s underworld to reassume the role of guide to dead souls. The album’s story may be prominently inspired by that of Dionysus, but its cover detail comes from a mask made by the Huichol of the Sierra Madre Mountains in Mexico - famous for their yarn paintings and objects meticulously decorated with beadwork - who use peyote as a sacred rite and ritual for the purposes of healing and mind expansion. At its core, it’s this which is key to understanding the sentiment of Dead Can Dance’s latest opus - a celebration not just of humanity but of humanity’s working alongside nature with respect and appreciation. Brendan and Lisa are looking forward to embarking on the May & June 2019 Tour.

Hace unos meses conseguí este deck. Anda de lujo.

JAJAJAJAJAJA

Desde mi ventana

Chakal

He ido a ver un par de clásicos al Cinemark (Dracula de Coppola y Blade Runner) y es una lástima que se pasen los ruidos y bombazos de las basuras que dan en las otras salas.