Chicago Symphony Orchestra

[teufel 0]

Después de poner artículos sobre impedancia, ahora me queda la pura pedancia

Sobre el conocimiento popular de los bronces de esa orquesta, aquí va el trombonista hablando sobre la naturaleza del sonido chicago.

http://www.jayfriedman.net/articles/equipment_-_size_does_matter

Un párrafo seleccionado

"Recuerdo que la sección de los cornos estaba a 15 metros o mas de distancia de las trompetas y trombones en orden de obtener obtener un efecto estéreo destacado. El resultado de esas sesiones era un sonido estridente, duro, muy delineado que de ninguna manera representa la CSO. Solti era un gran director pero incapaz o no estaba dispuesto a obtener que gente de London (Decca) produjera una fiel imagen sonora de una gran orquesta. Sin embargo, me acuerdo de su infelicidad con el sonido de la primera grabación de la 5ta de mahl[size=2]er. Queria cancelar la grabación pero ya era muy tarde."[/size]
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[size=2]En el link esta una detallada descripción de cual es la filosofía detrás del sonido de los bronces y de la sala [/size]donde van los conciertos.

¿El sonido de de decca no es fiel? Me acuerdo bien que sus grabaciones venían bien enchiladas en los bajos y sonaban bacanes en equipos corrientes.

Da para pensar porque muchos críticos opinan de las orquestas por vía de las grabaciones. Cuando en realidad la grabación es una producción musical. Y si la grabación es una producción artística y no una grabación forense de un evento. ¿como se puede medir la naturalidad de la reproducción? O sea si pongo un CD decía debe sonar tan artificial como el ingeniero de sonido lo creo, no como la cosa real.

[Patagonia 724]

Estos temas me gustan...pero nada que aportar...

[El Reyes 208]

Las grabaciones DECCA de los 60 y 70 suenan como si uno estuviera en la primera fila de una sala de conciertos. El sonido tiende a ser pleno, cálido y balanceado. Algunos dicen que no es natural. Eso es falso, vayan a un concierto sinfónico en primera fila central. Eso resiente el rango dinámico, pero el escenario es estupendo y ni hablar: los solistas se oyen como se oyen en las grabaciones DECCA.

Los registros CBS tienen de todo. Buenos detalles y estupenda imagen stereo, pero su conjunto no es muy bueno y las DG suenan como si uno se ubicara a 30 metros de la orquesta. Bien, gran rango dinámico, poco detalle, a veces tienden a la estridencia. Eso en gran parte se debía a que muchos registros se realizaban en la difícil acústica de la Philharmonie de Berlín, que recién ahora logra ser bien captada por los micrófonos del Digital Hall. Por eso, los mejores registros DG se realizaban en la Iglesia de Jesucristo de Berlín.
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[size=2]Los mejores registros, sin embargo fueron los WESTMINSTER. Incluso los monofónicos suenan estupendos . Recuerdo los Brandenburgueses de Bach por Scherchen, simplemente gloriosos.[/size]
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[size=2] Ahora, los EMI de Walter Legge recién se están reeditando haciéndoles justicia. Oí hace poco un Britten con Karajan, monofónico y el sonido era imparable. Mejor que todos los Stereo DG.[/size]

[teufel 0]

El philharmonie tiene un tiempo de reverberación bastante largo y su acústica es espectacular, se escucha igual de fuerte en primera fila que en el ultimo balcón. Gunther Hermans, que era el tonmeister de Kajaran, le gustaba incluir mucho ambiente en las grabaciones, pero no le fue bien en las primera grabaciones digitales.
SI vas al philharmonie veras un centenar de microfonos colgados de todo tipo y tamaño, ademas de los micrófonos principales que cuelgan cerca del director y la primera fila. O sea el sonido es pura cocina, pero cocina de la buena.

El sonido en primera fila es lo que se obtiene en la mayoría de las grabaciones, donde suenan desproporcionadamente fuerte y los violines opaca los vientos. Incluso puedes escuchar al solista mujiendo o al director resoplando. Pero aun así no es un sonido fiel, generalmente tiene más "aire". En comparación a la cosa real, se siente ecualizacion. Pero también puede ser que los reproductores modernos no sean neutrales. Los nuevos audifinos de todo pelo vienen con agudos extras y por el mismo precio.

Dicho lo anterior, el sonido de primera fila no es el ideal. En el philharmonie es mejor el final del bloque A o el principio del B. [size=2]Es para la opera que necesitas primera fila porque hay una fosa de por medio y el sonido de la orquesta viene muy apagado.[/size]

Donde si puedes requerir primera fila son en salas de horrible acústica, donde nada se escucha después de la 3 fila, como el Royal Festival o el Barbican.

[El Reyes 208]

[quote name='teufel' date='27 July 2014 - 04:10 PM' timestamp='1406488223' post='255563']
El philharmonie tiene un tiempo de reverberación bastante largo y su acústica es espectacular, se escucha igual de fuerte en primera fila que en el ultimo balcón. Gunther Hermans, que era el tonmeister de Kajaran, le gustaba incluir mucho ambiente en las grabaciones, pero no le fue bien en las primera grabaciones digitales.
SI vas al philharmonie veras un centenar de microfonos colgados de todo tipo y tamaño, ademas de los micrófonos principales que cuelgan cerca del director y la primera fila. O sea el sonido es pura cocina, pero cocina de la buena.

El sonido en primera fila es lo que se obtiene en la mayoría de las grabaciones, donde suenan desproporcionadamente fuerte y los violines opaca los vientos. Incluso puedes escuchar al solista mujiendo o al director resoplando. Pero aun así no es un sonido fiel, generalmente tiene más "aire". En comparación a la cosa real, se siente ecualizacion. Pero también puede ser que los reproductores modernos no sean neutrales. Los nuevos audifinos de todo pelo vienen con agudos extras y por el mismo precio.

Dicho lo anterior, el sonido de primera fila no es el ideal. En el philharmonie es mejor el final del bloque A o el principio del B. [size="2"]Es para la opera que necesitas primera fila porque hay una fosa de por medio y el sonido de la orquesta viene muy apagado.[/size]

Donde si puedes requerir primera fila son en salas de horrible acústica, donde nada se escucha después de la 3 fila, como el Royal Festival o el Barbican.
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Estimado Teufel,

La acústica de la Philharmonie fue un dolor de cabeza por más de una década y si bien el vivo sonaba bastante bien, en grabaciones dio muchos problemas (hay un documental al respecto bien interesante. En realidad son dos y se pueden ver en el Digital Hall) y se le siguieron realizando ajustes. La Philharmonie actual es -al parecer- la que mejor suena y es en la que mejor se ha grabado. De hecho se considera un hito la Novena de Bruckner con Rattle, ya que la calidad del registro fue sorprendente.

Lo del sonido de primera fila es discutible... a mí me gusta. Me gusta que tiemble el piso en los tuttis y que el peso del concertino se distinga del resto de la fila.

En primer lugar es real, claro que es real si suena así. Real no es un estándar. Real es real de primera fila o de mitad de sala o de final de sala o de mala o buena acústica.

Para mí real es casi sin aire (como intentó hacer la tecnología 4D) Y claro, una orquesta tiene más cuerdas para lograr esa sensación de las primeras filas. Recuerdo haber visto en vivo la Cuarta de Beethoven con Abbado en Italia... estaba en tercera fila. Cuando viene el crescendo de la cuerda al irrumpir el allegro, la sensación de sonido Jet fue notable y se sentía el peso distinto del aire. Eso a treinta metros no se percibe. Que la DECCA grabe con ese peso, sacrificando rango dinámico y perspectiva, da lo mismo si el resultado es un sonido "real" de primera fila. Ahí está el Lp de Solti con la Nilson en Salomé. El final es espeluznante. La Fil. de Vien en la misma casa.

Al menos en lo personal, los conciertos con solistas o música de cámara a primera fila. Conjunto sinfónico con algo más de perspectiva. Pero en realidad depende de cómo suene en la sala concreta.

Editado July 27, 2014 at 19:56 por El Reyes

[teufel 0]

Estimado casi todas las salas son dolor de cabeza para el ingeniero. Por eso la LSO grababa en un estudio, ahora que tiene su sello y tienen que grabar en el Barbican sus grabaciones salen malitas. Las grabaciones de perahia en el Concertgebouw son nebulosas totales porque los CBS se enfrentaron a una sala tan reverberante como el philarmonie y no tenían experiencia en ella. . Pero me acorde de un artículo de Wikipedia de como decca alcanzo su famoso sonido.
The Decca Stereo format was called (in succession to ffrr), "ffss", i.e. "full frequency stereophonic sound". with most competitors not using stereo until 1957, the new technique was a distinctive feature of Decca's. Even after stereo became standard and into the 1970s, Decca boasted a special, spectacular sound quality, characterised by aggressive use of the highest and lowest frequencies, daring use of tape saturation and out-of-phase sound to convey a lively and impactful hall ambiance, plus considerable bar-to-bar rebalancing by the recording staff of orchestral voices, known as "spotlighting." In the 1960s and 1970s, the company developed its "Phase 4" process which produced even greater sonic impact through even more interventionist engineering techniques. Big-band leader [url="http://en.wikipedia.org/wiki/Ted_Heath_(bandleader)#1960s"]Ted Heath[/url] was an early pioneer of the Decca "Phase 4" sound. Decca recorded some [url="http://en.wikipedia.org/wiki/Quadrophonic"]quadrophonic[/url] masters that were released in [url="http://en.wikipedia.org/wiki/Sansui_Electric"]Sansui[/url]'s [url="http://en.wikipedia.org/wiki/Quadraphonic"]quadraphonic[/url] system called QS Regular Matrix.

[Janowar 142]

El maestro detrás de ese "primer sonido" Decca fue John Culshaw, quién en los comienzos del sonido stereo trató de sacarle el máximo provecho y es criticado por el exagerado efectismo de algunas grabaciones.

Hay un documental muy bueno sobre la grabación del Anillo de Solti en el Sofiensaal (que se quemó hace unos años ), "The Golden Ring". En Youtube hay sólo fragmentos

http://www.youtube.com/watch?v=qW6Mwr7xVxY&feature=youtu.be

Se comenta que la mano de este productor llegó al punto de imponer a un joven Solti para la grabación de este Anillo (el primero completo en estudio) y no a otros directores consagrados de la época, debido a la posibilidad de manejar la grabación por sobre los criterios musicales de otros maestros de la batuta.


Saludos.

[teufel 0]

Ya el tema se desvirtuo, pero no hay nada de malo en preferir el tang al jugo de naranja:)


En realidad, no sabia lo de Culshaw, pero estoy de acuerdo que la grabación es un medio artisitico distinto a la performance y que no es un registro documental de lo que ocurrió en un concierto particular. El problema es quien lleva la dirección artística de la producción, el director, el ingeniero?
Muchas veces es una infernal pelea de egos y el solista o director termina siendo su propio editor e ingeniero.
En un libro que acabo de leer "Life and death of the classical music" culpan a Arthur Rubinstein de imponer el actual sonido del concierto para piano que provoca un "irritante desbalance entre el piano y la orquesta"

El año antepasado cuando estuve en primera fila del philharmonie, al lado del piano note que el balance de la mahyoria de las grabaciones es bien parecido a lo que escuche. Es mas bien el sonido desde el punto de vista del solista. Y claro se escuchaban los mujidos de Pollini y todos los ruidos mecánicos del piano y esas resonancias como campanitas. Se canto todo el concierto y eso me hizo acordar de las grabaciones que tengo donde esucho mugidos fondo.

Norrington por ejemplo pone el piano al centro de la orquesta detrás del director que es como se hacia en la época de mozart y ademas hace tocar a los músicos de pie violines con clarinetes y al otro lado fagot con contrabajos. Realza bien la linea del contrapunto.

Perahia toca de espaldas al publico con el piano sin tapa, y mas hacia adentro también para balancear y que este mas acorde con su repertorio.

Los súper artistas y su ego han puesto su vanidad personal por sobre la propia música.

[El Reyes 208]

[quote name='teufel' date='27 July 2014 - 08:28 PM' timestamp='1406503699' post='255579']
Ya el tema se desvirtuo, pero no hay nada de malo en preferir el tang al jugo de naranja:)


En realidad, no sabia lo de Culshaw, pero estoy de acuerdo que la grabación es un medio artisitico distinto a la performance y que no es un registro documental de lo que ocurrió en un concierto particular. El problema es quien lleva la dirección artística de la producción, el director, el ingeniero?
Muchas veces es una infernal pelea de egos y el solista o director termina siendo su propio editor e ingeniero.
En un libro que acabo de leer "Life and death of the classical music" culpan a Arthur Rubinstein de imponer el actual sonido del concierto para piano que provoca un "irritante desbalance entre el piano y la orquesta"

El año antepasado cuando estuve en primera fila del philharmonie, al lado del piano note que el balance de la mahyoria de las grabaciones es bien parecido a lo que escuche. Es mas bien el sonido desde el punto de vista del solista. Y claro se escuchaban los mujidos de Pollini y todos los ruidos mecánicos del piano y esas resonancias como campanitas. Se canto todo el concierto y eso me hizo acordar de las grabaciones que tengo donde esucho mugidos fondo.

Norrington por ejemplo pone el piano al centro de la orquesta detrás del director que es como se hacia en la época de mozart y ademas hace tocar a los músicos de pie violines con clarinetes y al otro lado fagot con contrabajos. Realza bien la linea del contrapunto.

Perahia toca de espaldas al publico con el piano sin tapa, y mas hacia adentro también para balancear y que este mas acorde con su repertorio.

Los súper artistas y su ego han puesto su vanidad personal por sobre la propia música.
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Eso del piano en primer plano y de lado viene de Liszt, para lucir su espléndido perfil.

... siguiendo con el asunto. Si así tocaban los solistas desde la segunda mitad del siglo XIX, así también les compusieron. De modo que esa relación solista-orquesta es la que pretendía el compositor y si se oye así desde la primera fila, pues bienvenido.

Ahora, con los celulares, las viejas tosiendo, los caramelos, las guaguas de meses en conciertos de Schönberg y las conversaciones que se oyen en no pocas salas de concierto (ni hablar en Chile), que se oiga respirar o cantar al pianista es un detalle.

[teufel 0]

En todos los conciertos con orquestas de periodo los pianistas tocan de lado, eso no esta en discusión. Pero el hecho que paganini y liszt hayan cometido excesos con la música no justifica su inclusión en la practica. Los pianos de Liszt ya eran parecidos al Steinway y las orquestas mas o menos del tamaño moderno.
En la epoca de mozart y beethoven, el piano era un instrumento mas pedestre con una sonoridad totalmente distinta, y las orquestas eran casi conjuntos de camara.


Por eso Mahler reorquesto todas las sinfonías de beethoven para tratar de restaurarlas porque el balance ya se había cargado a los violines. Asi que mahler tuvo que doblar el numero de vientos y además aprovecho de escribir en modo cromático para los metales que en la época de beethoven eran en su mayoría naturales.

El concierto de pollini era con thielemann quien parece encarnar a furtwangler así que su estilo es romántico mediados de siglo XX.

Si fuera por ese tipo de pensamiento no habría clavecín, pero la famosa wanda landowska se pregunto como sonaba Bach (no habían pianos) y volvieron a desarrollar el clavecin y ahora tenemos el lujo de poder escuchar las grabaciones de variaciones de goldberg en piano y en clavecín.
Para el oratorio de navidad tuvieron que hacer una investigación arqueológica para encontrar los oboe da caccia que requería la obra.

Las orquestas de ahora son mucho mas flexibles y si miras bien el digital concert hall, algunos directores usan timbales clásicos (pequeños) mientras que otros usan los usuales y si miras bien emanuel pahud toca una flauta plateada moderna. Pero a veces en mozart algunos directores usan otros dos flautistas que usan unas flautas negras distintas.

La orquesta del mozarteum usa cornos y trompetas naturales en mozart y schubert.

O sea ahora hay mas cuidado con la interpretación y el una orquesta sirve para todo de la época de karajan ya no corre. Asi que tu opinión no es compartida por toda la comunidad musical.

[El Reyes 208]

[quote name='teufel' date='27 July 2014 - 09:29 PM' timestamp='1406507367' post='255586']
En todos los conciertos con orquestas de periodo los pianistas tocan de lado, eso no esta en discusión. Pero el hecho que paganini y liszt hayan cometido excesos con la música no justifica su inclusión en la practica. Los pianos de Liszt ya eran parecidos al Steinway y las orquestas mas o menos del tamaño moderno.
En la epoca de mozart y beethoven, el piano era un instrumento mas pedestre con una sonoridad totalmente distinta, y las orquestas eran casi conjuntos de camara.


Por eso Mahler reorquesto todas las sinfonías de beethoven para tratar de restaurarlas porque el balance ya se había cargado a los violines. Asi que mahler tuvo que doblar el numero de vientos y además aprovecho de escribir en modo cromático para los metales que en la época de beethoven eran en su mayoría naturales.

El concierto de pollini era con thielemann quien parece encarnar a furtwangler así que su estilo es romántico mediados de siglo XX.

Si fuera por ese tipo de pensamiento no habría clavecín, pero la famosa wanda landowska se pregunto como sonaba Bach (no habían pianos) y volvieron a desarrollar el clavecin y ahora tenemos el lujo de poder escuchar las grabaciones de variaciones de goldberg en piano y en clavecín.
Para el oratorio de navidad tuvieron que hacer una investigación arqueológica para encontrar los oboe da caccia que requería la obra.

Las orquestas de ahora son mucho mas flexibles y si miras bien el digital concert hall, algunos directores usan timbales clásicos (pequeños) mientras que otros usan los usuales y si miras bien emanuel pahud toca una flauta plateada moderna. Pero a veces en mozart algunos directores usan otros dos flautistas que usan unas flautas negras distintas.

La orquesta del mozarteum usa cornos y trompetas naturales en mozart y schubert.

O sea ahora hay mas cuidado con la interpretación y el una orquesta sirve para todo de la época de karajan ya no corre. Asi que tu opinión no es compartida por toda la comunidad musical.
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Estimado Teufel


Los llamados excesos románticos (como si la música o el arte ya no fuera un exceso per se) fueron más bien modos y las obras de repertorio de aquellos años se acomodaron a esos modos. No me magino el 1 de Brahms con la tapa cerrada y con el piano al medio. Otra cosa es con Mozart o Bach.

No obstante, más que instrumentos originales, como decía Harnoncourt, siguen prevaleciendo las ideas originales. Lo de Mahler obedecía a la plantilla que se usaba entonces. Hoy sus "retoques" son curiosidades, ya que un director equilibra de otro modo sin necesidad de enmendarle la plana a Beethoven, a Mozart, a Schumann.

Lo de la Landowska es muy meritorio. en realidad, como diría Beecham, los claves de entonces sonaban como esqueletos haciendo el amor.

[teufel 0]

Lo que pasa es que te saliste del asunto, porque en ningún lado me queje del concierto, sino que hice notar que la perspectiva de la grabación está más cercana al punto del solista que incluso la primera fila. Mi crítica y la del tópico en cuestión es sobre el balance de las grabaciones. Pero ya que salió el balance de la sala de conciertos, hasta tu reconcies que ha cambiado montones desde karajan hasta ahora. Supongo que leíste el artículo de la gramophone donde chailly muestra su preferencia de modificar la relación dinámica de las partes que doblar grupos instrumentales. Cada uno tiene un objetivo artístico en mente que es válido. Pero no hay que confundir la opinión de chailly con la norma. Algunos preferirán usar instrumentos de época y orquestas de menor tamaño. Harnoncourt uso una orquesta de cámara moderna con trompetas naturales. Pero eso nada que ver con la grabación. En el siglo XX todos los grandes maestros retocaban las partituras de schumann bajo el pretexto que era mal orquestador. Mahler lo que hizo fue intentar quitar la pátina romántica traduciendo un poco la partitura al lenguaje de la época. Más adelante harnoncourt, norrington y gardiner se desprendieron de todo tipo de tradición u volvieron al origen, mostrando que los supuestos errores de beethoven eran más bien fallas interpretativas. Esas interpretaciones modernas como las de chailly no hubieran ocurrido sin los harnoncourt y los norrington. Estaríamos todavía con la cantinela que las marcas de metrónomo de Beethoven estaban malas y que Beethoven era sonrdo y debió muchos errores.

[El Reyes 208]

[quote name='teufel' date='27 July 2014 - 10:38 PM' timestamp='1406511537' post='255596']

Esas interpretaciones modernas como las de chailly no hubieran ocurrido sin los harnoncourt y los norrington.

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¡ A la hoguera con Harnoncourt y Norrington si inspiraron semejante desastre!

Por otra parte -y retomando lo del equilibrio orquestal-, lo que no logro entender es ¿cuál es la culpa de los románticos?

[teufel 0]

De, los compositores románticos nada que ver, aún así tengo una grabación del concierto 1 de Brahms en "fortepiano". Lo que se conoce como estilo romántico de interpretación con mucho rubato y flexibilidad y poca fidelidad es el estilo de los músicos de más o menos mediados del siglo 20. El rey del rubato furtwangler, el impulsivo kubelik y el indescriptible bernstein entre otros. Herederos de una gran tradición romántica de interpretación. Podrían definirse como wagneriana. Pero ahora los andantes son más rápidos y los directores respetan el allegretto de la 7ma
Lo del balance orquestal es consecuencias más bien de la evolución de los instrumentos. No tengo problema en ello, si el director es bueno sabrá hacer su pega.
Pero las grabaciones son mi queja. Es como una foto donde todos tratan de agarrar primer plano. Karsjan, si es culpable de algo, es de que su sonido es puro violín y en mozart no siempre funciona. Pero agarra un concierto de Brandenburgo de karajan ....
No es casualidad que esos directores sobresalgan con mahler.
Y que tiene de malo chailly? Es bien concreto y sucinto.

[El Reyes 208]

[quote name='teufel' date='27 July 2014 - 11:28 PM' timestamp='1406514514' post='255606']
De, los compositores románticos nada que ver, aún así tengo una grabación del concierto 1 de Brahms en "fortepiano". Lo que se conoce como estilo romántico de interpretación con mucho rubato y flexibilidad y poca fidelidad es el estilo de los músicos de más o menos mediados del siglo 20. El rey del rubato furtwangler, el impulsivo kubelik y el indescriptible bernstein entre otros. Herederos de una gran tradición romántica de interpretación. Podrían definirse como wagneriana. Pero ahora los andantes son más rápidos y los directores respetan el allegretto de la 7ma
Lo del balance orquestal es consecuencias más bien de la evolución de los instrumentos. No tengo problema en ello, si el director es bueno sabrá hacer su pega.
Pero las grabaciones son mi queja. Es como una foto donde todos tratan de agarrar primer plano. Karsjan, si es culpable de algo, es de que su sonido es puro violín y en mozart no siempre funciona. Pero agarra un concierto de Brandenburgo de karajan ....
No es casualidad que esos directores sobresalgan con mahler.
Y que tiene de malo chailly? Es bien concreto y sucinto.
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Estimado Teufel,

todavía no veo mucha culpa en un modo de interpretación. Hay mucha caricatura en ello. Tengo el Bach de Karajan y sin ser microscópico, tiene excelente contrapunto y se oye todo. Al menos en las reediciones japonesas. Claro que es un estilo alla R. Strauss o Mahler.

Con el Beethoven de Chailly me pasó lo mismo que con el de Haitink-LSO: traquetean en una mezcla de Toscanini-Harnoncourt y no se les oye muy coherente. Y esto a pesar de Haitink, uno de mis directores favoritos.

[teufel 0]

Excelente punto el de Karajan, primero es el mas disciplinado, con mejor precisión y fraseo mas delineado de los grandes proceres. Así que secundo tu opinión de que no hay nada de malo sus brandenburgos, si ese tu gusto estético.

Si en algo ha cambiado el estilo tradicional es que ahora es mas parecido a Szell que a Fürtwängler. Asi el estilo mas raspado de chailly. No culpes a haitinnk, el barbican simplemente no tiene acustica.

Por ejemplo, este es una disco de obras de Bach reorquestadas (modernizadas) por stokowski [url="http://open.spotify.com/album/31bGEYonjTHCoILillNpm3"]Esa-Pekka Salonen – Bach Orchestral Arrangements[/url].. Ok hay abominaciones pero la suite orquestal es interesante.

Karajan hace una transcripción implícita porque usa 10 veces el tamaño de orquesta (es una obra de cámara), los instrumentos son incorrectos (flautas, trompetas, etc) el fraseo ligado romántico, el vibrado es permanente y no hay ornamentaciones. Pero al menos el tempo es bueno,y tiene constancia ritmica. O sea no tan distinto de karl richter.

En las interpretaciones de vivaldi es mas furte el choque entre las versiones antiguas y las nuevas.

Yo si prefiero la Concerto Italiano, sobre la philharmonica de Berlin. Las ornamentaciones de los cornos son impresionantes y tocan al borde de lo posible en un corno natural.

[El Reyes 208]

[quote name='teufel' date='28 July 2014 - 04:57 PM' timestamp='1406577479' post='255750']
Excelente punto el de Karajan, primero es el mas disciplinado, con mejor precisión y fraseo mas delineado de los grandes proceres. Así que secundo tu opinión de que no hay nada de malo sus brandenburgos, si ese tu gusto estético.

Si en algo ha cambiado el estilo tradicional es que ahora es mas parecido a Szell que a Fürtwängler. Asi el estilo mas raspado de chailly. No culpes a haitinnk, el barbican simplemente no tiene acustica.

Por ejemplo, este es una disco de obras de Bach reorquestadas (modernizadas) por stokowski [url="http://open.spotify.com/album/31bGEYonjTHCoILillNpm3"]Esa-Pekka Salonen – Bach Orchestral Arrangements[/url].. Ok hay abominaciones pero la suite orquestal es interesante.

Karajan hace una transcripción implícita porque usa 10 veces el tamaño de orquesta (es una obra de cámara), los instrumentos son incorrectos (flautas, trompetas, etc) el fraseo ligado romántico, el vibrado es permanente y no hay ornamentaciones. Pero al menos el tempo es bueno,y tiene constancia ritmica. O sea no tan distinto de karl richter.

En las interpretaciones de vivaldi es mas furte el choque entre las versiones antiguas y las nuevas.

Yo si prefiero la Concerto Italiano, sobre la philharmonica de Berlin. Las ornamentaciones de los cornos son impresionantes y tocan al borde de lo posible en un corno natural.
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Pienso más o menos lo mismo,

la única precisión que haría es que el Historicismo no solo es documentación, también es una ideología (como la Romántica): la de la utopía del origen. Sin embargo, la música como fenómeno es más que el documento y no pocas veces lecturas erradas dan origen a acciones de arte superiores: Eso sucede con la San Mateo de Mengelberg o con el Beethoven de Furtwängler. Que han sido juzgados y criticados, pero el impacto sonoro, su visceralidad, su arrebato y arrobo son tan patentes, que superan la corrección del estilo.

Al Concerto Italiano le oí en vivo los seis Brandenburgueses (de hecho los tengo grabados de esas funciones) y me gustan mucho, pero la aberrante y absurda cadenza del 5 con Furtwángler en el pIano es de las cosas más sublimes que he podido oír en disco. No puedo decir lo mismo del impecable Alessandrini.

Esto se reduce a los siguiente:

Es bueno la especialización de estilos... Por supuesto, pero Arrau llegó a decir que el especialista es aquel artista malo en muchas cosas, menos en una.

La ideología del estilo documentado puede ser nociva. Sí, al igual que carecer de estilo o tocar todo igual (como a veces ocurre con Karajan). Ahí está Norrington y su pedorrea de museo. Singular, interesante, reveladora, pero muchas veces ridícula.

lo importante está en hacer que el sonido sea música, una experiencia sensorial que valga la pena y a veces eso ocurre a pesar de los estilos.

Y tienes toda la razón con Vivaldi. Nada que hacer ninguno de los maestros antiguos ante lo que está haciendo la Vivaldi edition. para mí el proyecto discográfico más importante de principios del Siglo XXI. Todo es un tesoro.

Vivaldi será el Mahler del siglo XXI. Un descubrimiento adictivo.

[teufel 0]

Norrington es mi ídolo. Tengo casi todas sus grabaciones, me encanta el sonido metálico que saca de la orquesta. Debe ser que no me gustan los tubos ni el vinilo.

[El Reyes 208]

[quote name='teufel' date='29 July 2014 - 01:51 AM' timestamp='1406609473' post='255887']
Norrington es mi ídolo. Tengo casi todas sus grabaciones, me encanta el sonido metálico que saca de la orquesta. Debe ser que no me gustan los tubos ni el vinilo.
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El sonido... ¿y qué hay de su sintaxis, de su fraseo, de su equilibrio? Hay ocasiones en que Norrington me suena a Les Luthiers y sus instrumetos raros...

No entendí lo de los tubos y el vinilo[img]http://www.hifichile.cl/public/style_emoticons/default/unsure.gif[/img]

[teufel 0]

Todo perfecto, xcepto la sintaxis creo que usa notación polaca reversa.